Este 2025 ha sido un año sorprendente en el panorama musical, lleno de sonidos nuevos y artistas que han arriesgado para explorar terrenos desconocidos. Antonio Jesús Reyes, Juan Antonio Gámez y Marcelo Chaparro Santana, nuestros curadores musicales de este año, han seleccionado aquellos discos que, más allá de las cifras y las listas, han logrado conectar con lo más profundo de nuestro ser. La música tiene esa magia: puede sorprendernos, emocionarnos e incluso cambiarnos, y estos discos lo han hecho en grande. A continuación, te presentamos nuestra selección en orden alfabético, una lista sin pretensiones de jerarquías, solo de sentimientos que nos han marcado.

AVTT/PTTN – AVTT/PTTN – Ramseur Records

Estamos ante un trabajo compacto, sin relleno, que funciona mejor escuchado de principio a fin que aislado por temas. Su fuerza está en la claridad con la que está construido y en la seguridad de quienes saben cuándo parar. De hecho, su duración es unos treinta y cuatro minutos, un minutaje y una atmósfera que exigen modo repeat. El álbum se mueve entre una escritura sobria y un trabajo vocal firme y elegante, con armonías que aportan identidad. A excepción de “The Ox Driver’s Song” y “Heaven’s Breath”, algo más rockeros, el álbum se mueve en un aire, digamos a lo Christian Kjellvander, es decir, Americana oscura con algo de pop alternativo y rock contenido, etiquetas que suenan birriosas ante un álbum maravilloso y conmovedor, pese a que sus músicos no se vieron durante la grabación. Sin embargo, AVTT/PTTN no suena a artificio, gentileza del ingeniero Dana Nielsen (Bob Dylan, Weezer, Slayer, Rihanna…) y una producción compartida entre Patton, Avett y el propio Nielsen. Así se las gasta el enésimo invento mágico con Patton (Faith no More), esta vez junto a los hermanos Avett.

Brian Eno y Beatie Wolfe – Lateral – Luminal – Liminal – Universal Music

Brian Eno y Beatie Wolfe inauguraron su colaboración discográfica en 2025 con la publicación simultánea de Lateral y Luminal. El primero se adentra de lleno en el terreno del ambient, con estructuras abiertas y paisajes sonoros. Luminal está formado de canciones pop y dream pop, o en la frontera de ambas, incorporando una presencia vocal más reconocible y un enfoque emocional más directo.

Meses después, ya en ese mismo 2025, llegó Liminal, que funciona como cierre del ciclo y al mismo tiempo ocupa un espacio intermedio entre los dos anteriores, combinando la amplitud atmosférica de Lateral con la intimidad popera de Luminal. El resultado se ordena como un proyecto en tres tiempos: dos discos publicados a la vez que marcan polos sonoros diferenciados y un tercero que llega después para tender puentes entre ambos. La experiencia y el savoir-faire de Brian Eno en el terreno del ambient se entrelazan con la sensibilidad vocal y compositiva de Beatie Wolfe, dando lugar a una música que invita tanto al descanso como a la ensoñación.

Deacon Blue – The Great Western Road – Cooking Vinyl

Con The Great Western Road, la banda consolida una década dando frutos discretos pero sólidos. Lejos de buscar el impacto inmediato de sus grandes éxitos, el disco opta por una mirada reflexiva y serena sobre el paso del tiempo, la memoria y el propio recorrido de la banda. Ricky Ross firma un cancionero elegante, de letras depuradas y tono afectivo. La banda suena cómoda, arropada por un sonido reposado, rico en matices y con un claro gusto por la melodía larga y bien construida. El disco alterna tempos pausados, como la canción que le da título, con otros de mayor empuje, como “Ashore”, y sin embargo, la sensación global es de calma que, lejos de anular la intensidad, deja espacio para una catarsis medida pero constante. Todo ello se ve adornado por las voces, intactas desde hace décadas, de Ross y Lorraine McIntosh, tan bien entrelazadas que en más de un momento resulta difícil discernir quién sostiene a quién. En algún punto entre el pop, el jazz y el soul, ahí siguen los Deacon Blue. Y que no nos falten.

Detergente Líquido – Si en verano estamos solos – Dlava Music / autoedición del grupo

Lejos de soluciones obvias o gestos efectistas, Si en verano estamos solos se construye desde la coherencia y el detalle. El álbum avanza sosteniendo una narrativa que observa la vida adulta desde la duda, la contradicción y una lucidez nada complaciente. Las letras no son cualquier cosa en el mundo de Detergente Líquido, siempre apoyadas por una música que sabe cuándo acompañar y cuándo retirarse.

En lo sonoro, la producción de Juan Antonio Mateos y Ernie Rodríguez refuerza esa sensación de fluidez y de que cada tema tenga vida propia dentro de su género. Piezas como “Trambahía” o “Resumen Ejecutivo” funcionan como puntos de anclaje dentro de un conjunto sólido. Detergente Líquido firma así un trabajo bien calibrado, que apuesta por la permanencia y a la vez por lo inmediato, y confirma a la banda como una de las propuestas más consistentes y personales del pop independiente estatal actual, a ver si nos enteramos ya.

FUET! – Make It Happen – DIY Estudio Mazmorra

FUET! demuestran con Make It Happen que han encontrado su voz propia y proponiendo algo más auténtico. Con su nuevo álbum, la banda madrileña afianza su estilo, y eleva su propuesta musical a un nivel más maduro, sin perder la energía cruda que los caracteriza. Make It Happen es un disco que se siente como una descarga eléctrica: las guitarras rugen, la batería no da tregua, y la voz transmite una urgencia que empuja cada tema hacia adelante. Este es un álbum para bucear; cada canción está impregnada de una actitud desafiante, casi como si fuera un grito de guerra contra las expectativas del momento. FUET! no complace, hace ruido, cuestiona y, sobre todo, sigue su propio camino. Y lo hacen con una confianza que se siente en cada acorde, en cada verso, en cada pausa. La propuesta de la banda tiene un aire fresco, pero al mismo tiempo, se percibe como el resultado de una evolución constante y sin concesiones.

Jehnny Beth – You Heartbreaker, You – Fiction

Jehnny Beth, conocida por su fuerza al frente de Savages, ha logrado un giro sorprendente y fascinante en su carrera solista. En You Heartbreaker, You, la artista francesa da un paso audaz hacia un estilo más duro y oscuro, fusionando el rock industrial con tintes electrónicos. El álbum está marcado por la colaboración con nombres de renombre como Joe Talbot de IDLES y Romy Madley Croft de The xx, quienes aportan su energía y visión a una propuesta sonora que no teme desafiar los límites.

Lo que realmente destaca de You Heartbreaker, You es la capacidad de Jehnny Beth para jugar con su voz. En cada canción, se mueve con facilidad entre momentos de vulnerabilidad extrema y estallidos de potencia visceral. Su interpretación vocal se convierte en el hilo conductor de todo el álbum, llevando al oyente a través de un paisaje emocional que transita entre la desesperación, la liberación y la autodefinición. Las letras, que exploran temas como el desamor, el dolor interno y la búsqueda de identidad, ofrecen una reflexión profunda sobre el deseo y la lucha personal. La artista utiliza su vulnerabilidad no como un punto débil, sino como un espacio de fortaleza, mostrando que la fragilidad también puede ser una forma de resistencia.

Juventude – Juventude – Calaverita

Juventude es un dúo sevillano formado por Ángel y Nico que da la impresión de haberse pasado todas las pantallas del juego que es la música. De ahí que su debut arrase parodiando u homenajeando cualquier idea previa de estilo o corrección de este arte. El disco es exuberante y deslenguado, un cruce sin complejos entre música popular española, psicodelia sesentera, rumba, rock à la Silvio… Juventude suenan llegan a sonar como una reencarnación de Los Brincos pero hispalenses. Todo adornado con un sentido del humor a veces afilado, a veces surrealista.

No resulta extraño que la producción recaiga en Íñigo Bregel, alma de Los Estanques, por la libertad creativa, el surrealismo pop y la sucesión de disparates líricos que atraviesan el álbum. Ángel y Nico van completamente a lo suyo y, por si quedaba alguna duda, en directo elevan aún más la propuesta. ACHTUNG lo ha comprobado.

Lambrini Girls – Who Let the Dogs Out – City Slang

Lambrini Girls van mucho más allá del “punk por diversión”. En realidad, es una denuncia directa contra las estructuras sociales que perpetúan injusticias como la violencia policial, el patriarcado, los estereotipos de género y las profundas desigualdades de poder económico y social. Las letras van al grano y nos muestran la lucha diaria contra sistemas que parecen inamovibles.

No es solo una manzana podrida: el sistema entero permite que el abuso siga.

Nos dicen que somos familia, pero solo quieren que trabajemos más, aguantemos abusos y agradezcamos estar aquí.

Pero lo que realmente destaca es su enfoque irónico y descarado. Aquí no hay espacio para el sermón moralista, sino una apuesta por el humor ácido, el sarcasmo y la crudeza. Esta mezcla de elementos les permite ser desafiantes y fuertes, pero sin perder nunca la autenticidad o la energía que caracteriza al punk en su forma más cruda.

Me enseñaron a sentir culpa por mi propio cuerpo, como si existir fuera un error que debe corregirse.

Tu poder no viene de ser fuerte, sino de que todo el mundo te ha dejado comportarte así.

A pesar de la dureza de su crítica social, el álbum también da cabida a una mirada más personal e introspectiva. Se abre un espacio para hablar de la vulnerabilidad, la autoimagen, los problemas de salud mental y la identidad. Estos momentos aportan una frescura emocional que nos conecta de manera más profunda con los artistas, mostrando una faceta empática que equilibra la rabia y la denuncia.

Es fácil triunfar cuando el mundo ya estaba comprado a tu nombre.

No voy a avergonzarme de lo que soy; lo voy a celebrar.

Musicalmente combinan la intensidad del punk, el garage y el post-punk con melodías y riffs que refuerzan el mensaje. Es un álbum que juega con la variación de su propio sonido, mostrando una versatilidad que va desde la explosión pura hasta pasajes más melódicos, sin perder en ningún momento el impacto visceral de sus letras.

Oscar Jerome – The Fork – Jeromeo – New Soil

I’ve been spending too much time on these limits / Just let go of your mind for a minute

Llevo demasiado tiempo dentro de estos límites / Deja a un lado lo racional, aunque sea solo un minuto.

Un tío elegante. El compositor, guitarrista y productor Oscar Jerome lanzó su tercer LP, The Fork, el primero producido en solitario, el más personal y ambicioso hasta la fecha, una profundización de su experiencia vital, con narrativas sofisticadas y matizadas en el reconocible estilo de guitarra lírico con el que se hizo un nombre. Desde su mítica banda Kokoroko, Jerome ha perfeccionado un enfoque articulado y sensible que se evidencia en este exquisito álbum, salpimentado por las enseñanzas de Rumi. En las letras de The Fork igualmente influyente ha sido Elif Shafak, autora de la novela Las cuarenta reglas del amor, una introducción al trabajo del poeta persa del siglo XIII.

A Jerome le flipa mezclar distintos estilos sin ningún plan preconcebido, pura libertad desde cero. Practicar y combinar la producción con sus experiencias de vida, mezclar géneros musicales. Ser lo más abierto posible cuando escribe una canción. “En este álbum he aprendido a retarse a mí mismo, a hacerme preguntas. A cuestionar el mundo a mi alrededor”. Afirma escribir desde la emoción, los sentimientos. ¿Hay un hilo conductor en las letras de The Fork? Sí: el llegar a una bifurcación en el camino. “Que no te de miedo escoger el mejor camino. Somos individualistas, nos quedamos en la zona confort, pero yo quiero que el instinto, y no el placer, guíe nuestras decisiones. Sus beats son elegantes, lleva haciendo música toda la vida. Beats de batería, cortar breaks de batería o manipular riffs (la guitarra), experimentar, intentar cosas. Me he construido mi propio estilo trabajando mucho. He descubierto mis fortalezas; es bueno tener referentes, pero si quieres encontrar tu propia voz tienes que ver dónde está tu fuerza, aquello que te hace único”.

Pulp – More – Rough Trade/Popstock!

Veinticuatro años después de su último disco, Pulp regresa sin la coartada fácil de la nostalgia ni la presión de tener que demostrar nada. Jarvis Cocker escribe ahora desde un lugar distinto: la ironía sigue ahí, pero más templada; el deseo, más lúcido; las palabras ya no buscan impactar, sino permanecer. Algo parecido ocurrió con We Love Life (2001), aún ignorado injustamente. En More reaparecen las obsesiones clásicas del grupo: la clase social, el deseo, la vergüenza, las aspiraciones frustradas. Pulp no persigue ninguna reinvención: la verdadera revolución es seguir sonando a sí mismos. Entre el pop inmediato y bailable y las baladas de crooner desgastado, el disco avanza con una producción elegante y medida a cargo de James Ford, que actualiza el sonido sin traicionar su esencia.

Rufus T Firefly – Todas las cosas buenas – Lago Naranja

Rufus T. Firefly continúa su evolución sin perder ni un ápice de la esencia que los hizo destacar desde sus primeros días. Todas las cosas buenas es una obra que atrapa desde el primer acorde, gracias a la forma en que la banda logra mantener un equilibrio perfecto entre la experimentación y lo accesible. La profundidad lírica de Víctor Cabezuelo y la energía desbordante de Julia Martín-Maestro en la batería crean una atmósfera única, donde cada canción se siente como un viaje sensorial que nos envuelve por completo.

El impulso por el sonido ha sido clave en este álbum, con Cabezuelo volcando su obsesión por los detalles en una producción cuidada al máximo. La mezcla de psicodelia con toques experimentales se convierte en un viaje sonoro que no solo es introspectivo, sino también expansivo. Todas las cosas buenas es una reflexión sobre la fragilidad de la vida, mientras invita a encontrar belleza en lo efímero y lo inalcanzable. Es una de esas obras que se disfruta tanto por lo que se dice como por la forma en que se dice.

Sila Lua – Danzas de Amor y Venenos – Altafonte

Yo nací mala. Mala, mala, mala como la yerbabuena

Sila Lua es una de las más destacadas letristas de su generación. Una de esas productoras jóvenes que desconocen las fronteras. Danzas de Amor y Veneno trascurre, justamente, por ese camino de la versatilidad, con producciones realizadas junto a Pau Aymí, a menudo centradas en esa voz suya, aterciopelada o combativa (según las necesidades del contexto), que nos habla de los demonios del corazón. Esta gallega del mundo consiguió crear un sonido propio y accesible, desdibujando las rígidas divisiones entre géneros musicales. A través de melodías vocales complejas y ritmos bailables, parió un trabajo que refleja su evolución artística y su búsqueda de equilibrio en un mundo lleno de opuestos. He aquí una celebración de la dualidad de la vida, del deseo, el idilio, el encoñamiento, la gloria, la desilusión y la inevitable ruptura. Esas fuerzas antagonistas.

Este álbum es un trabajo ecléctico que combina bases electrónicas con influencias las escuelas de la música latina (bolero, bossa nova, reggaetón, funk carioca, dembow, salsa y bachata) y africana (afrobeat y afro-house). Ingredientes muy bienvenidos en un mercado sobrecargado de beats duros y dembows. Un oasis bien pintado con letras inteligentes y armonías alternativas. Vale la pena subrayar las colaboraciones de lujo con Marcio Arantes, DJ Gabriel do Borel y Reinel Bakole. En estos diez tracks brillan la frescura melódica y una agradable capacidad para mezclar diferentes estilos de manera intuitiva.

Stereo Madness – Cyberfunk – Stereo Madness

El ambiente está caliente junto a ti / Estás ardiendo / ¿Qué me estás haciendo?

Empezaron dos en Malasaña, entre más colegas, en un ambiente muy rapper, echándole mazo de horas y ensayando en un trastero. Hicieron un par de canciones y grabaron un primer EP súper precario, todo grabado guarro, guapísimo, lo más guarro que se puede grabar. Luego hicieron un álbum llamado Benizornia. Y ya para entonces eran siete. Su modernidad la encontraron grabando en un estudio, tranquilos. Empezaron con los dubs, a meter efectos en la voz, a mezclarlo sobre todo con las letras, atemporales, pero modernas, ¡y en español!

Su estilo al componer es más propio del rap que del funk. No empezaron sacando acordes, iban por ahí improvisando una melodía… y llegaba la letra. Trap sin complejos, autotune como herramienta que aporta un toque bastante cósmico, robótico que pega mucho con el cosmic funk. Y también el rollo del talkbox, del vocoder. Su música la escucha un montón de peña de varias edades, puede que no les mole el autotune, pero les entra perfectamente rompe etiquetas peyorativas. El autotune como paisaje sonoro, describe y caracteriza esta época en la que estamos; proporciona un cierto toque de nostalgia, divertido, incluso político, democrático también: cualquiera puede hacer música con él. He aquí una de las características definitorias de Stereo Madness: la reivindicación. Y el bailoteo cósmico de esa cosa llamada amor.

El campo semántico de las letras en Cyberfunk está relacionado: enfermedad, baile, amor y cura. Una vez tienen una melodía buena ponen palabras a lo que “dice la melodía”, para darle más punch. “Si la melodía está insistiendo nosotros insistimos con las palabras también, lo que da muchísima fuerza a nuestras letras”. Creen que si su propuesta funciona es porque le echan ganas, creen en lo que hacen, les pone contentos, porque la gente lo disfruta bailando. ¡Veinte años llevábamos esperando una banda como esta! ¡Que siga habiendo mucha música de Stereo Madness! Larga vida a este funk.

Systema Solar – Futurx Primitix 20/25 – Sambumbia

Ven, ven al planeta Futuro Primitivo.

Aquí no hay cabida para la tristeza, te estamos esperando. Y no tiene final.

La receta de Systema Solar son los sonidos autóctonos de su país, Colombia. ¡Y el modo de cocción es… ¡hacerlo con mucha alegría! El ADN de Futurx Primitivx es ese sonido que, tanto en las letras como en la producción sonora, tiene mucho de paisajes sonoros; tiene la naturaleza metida en los elementos que comunican el sentido del disco. También cada canción se conecta; más allá de la música -como siempre- proponemos una historia que también se puede ver una película o un cortometraje, y está asociado también a una campaña con las bombas de semillas. Todo hace parte de una misma vibración que también luego se comparte en el directo.

Se puede decir que este disco invita a “un planeta donde no hay cabida para la tristeza y el gozo no tiene final” y es un álbum conceptual afrofuturista a la manera afrocaribe e indigenista. Eso encaja allí en esos en esos conceptos, porque reivindican las culturas de los pueblos originarios, reivindican también sus sonoridades tradicionales interpretándolas con los elementos que tienen a la mano. Hay elementos electrónicos, elementos acústicos y siempre con un sentido de transformación: quieren construir otras maneras de ser y estar en estos territorios. O ayudar a que se construyan otras formas posibles. Un sancocho caribeño donde cabe de todo y al mismo tiempo se celebra todo. La “plaka” es la voz del picó (o sound system): con esa voz en reverb el picó da a conocer el planeta futuro, se presenta ante el mundo, en plena fiesta. Bienvenidos a la zona estelar bernenáutika, donde la gozadera abre consciencias y pone tu cerebro a producir hormonas de las buenas. Un manifiesto musical de lo mejor del año.

Varios Artistas – Sampladelia Vol. 5 / Tirititrán Vol.1 – Vinilos Enlace Funk

Este año ha visto la publicación de tremendas recopilaciones. Enlace Funk, la única revista europea especializada en la promoción y divulgación de la(s) música(s) afrodescendientes, se erige como guardiana de auténticos tesoros patrios.

Sampladelia (Soul, Funk, R&B for the New Era) va ya por su quinta entrega. Una muestra de la efervescente y creativa nueva escena funk, soul y R&B hecho aquí y nunca publicado en formato físico. La cara A abre con un hit infeccioso y autobiográfico de Lin Cortes; Stereo Madness detona su bomba boogie-disco funk, los Burbu sacuden nuestras caderas; Fitasha demuestra por qué es la gran revelación del R&B nacional y Aaron Pozón deleita con el mejor jazz contemporáneo en este país. La cara B abre con el legendario Eat Meat y su esperado regreso; ZAS demuestra que el boogie-funk en castellano y de calidad es una realidad; la all-star de músicos The Quinquis rinde tributo electro funk a un clásicazo de Las Grecas; Sami Deluxe nos manda directos a un dancefloor con bola de espejos incluída y Ay Trick remata con un trallazo funk-jazz electrizante. La Biblia del funk, sin duda.

Tirititrán Vol.1 es una recopilación de flamenco-jazz en exquisita edición limitada, que abre la 6ª edición del festival del mismo nombre. Entre los y las 16 titanes del jazz flamenco nacional en esta locura de vinilo doble encontramos nombres referentes para todo amante de este híbrido género. Dolores, Chano Domínguez, Jorge Pardo, Marc Miralta, Carles Benavent & Josemi Carmona, la Flamenco Jazz Company, Antonio Lizana, Diego Amador, Sergio de Lope, el Miquel Álvarez Group, Pablo Martin Caminero, Juanfe Pérez, Trinidad Jiménez, Juan Pérez Rodríguez “Aure” y Enrique Rodríguez “Enriquito”. La evidencia de la calidad de nuestra música, y del enorme esfuerzo que supone organizar un festival de este nivel en una ciudad como Madrid, urbe que ha servido de nexo entre flamencos y jazzeros, originando un sonido irrepetible y en constante evolución; rompiendo barreras, cuna de jams y encuentros únicos de jazz madrileño, flamencos y músicos llegados de distintas esquinas del mundo. Bohemia exquisita.

Ambas recopilaciones pueden adquirirse en la página web de la editorial y sello discográfico www.enlacefunk.com.

Wednesday – Bleeds – Dead Oceans

Wednesday nos ofrece un álbum que rememora a las grandes de los 90 como The Breeders, Hole y Belly, para llevar esas influencias a un terreno más contemporáneo. La voz de Karly Hartzman aúna fuerza y vulnerabilidad que resuena con la misma intensidad del grunge, pero con una visión fresca que se aleja de lo nostálgico. En Bleeds, el sonido fluye entre guitarras densamente distorsionadas, capas de sintetizadores que envuelven cada tema, y una batería que mantiene la atmósfera emocional intacta.

Bleeds presenta letras que son un reflejo crudo y honesto de las luchas internas, el desamor y la búsqueda de sentido en medio del caos. Cada canción es un diario sonoro donde se percibe el peso de la angustia, pero también la capacidad de resistir. Lo que hace este álbum tan especial es la profundidad de sus temas y la forma en que, a través de su sinceridad, conecta con el oyente de una manera universal. En este disco, Wednesday canta su dolor y lo ofrece como una experiencia compartida, algo que podemos sentir en cualquier momento.