On Being Blue, Sobre Ser Azul, es la exposición de la artista británica de origen balinese Sinta Tantra con la Galería Kristin Hjellegjerde en The Shrimp Factory, Nevlunghavn (Noruega). El trabajo artístico tiene sus raíces en un profundo compromiso con el espacio en términos de cómo nuestros cuerpos se mueven a través del espacio y cómo el arte puede revelar y conectar capas de la historia para ofrecer nuevas perspectivas.

 

En esta exposición ha creado una nueva y sorprendente serie de pinturas, así como un mural a gran escala pintado en la fachada del edificio, una pieza sonora y esculturas que se unen para reflexionar sobre las diversas historias y asociaciones poéticas del mar. . Moviéndose entre formas fluidas y líneas minimalistas, colores ricos y vibrantes y suaves tonos pastel, Tantra rinde homenaje al romance del entorno junto al mar al mismo tiempo que revigoriza el espacio con su audaz estética contemporánea.

 

La exposición toma su título de un libro del escritor estadounidense William H. Gass, publicado por primera vez en 1976, en el que reflexiona sobre los distintos tonos y simbolismos del azul. Es a la vez una especie de catálogo, lleno de listas, y un reflejo filosófico de la variedad del color, sus infinitas profundidades. La exhibición de Tantra adopta un enfoque similar: algunas pinturas exploran directamente las sutilezas del azul a través de la pintura, mientras que otras, representadas en tonos nude, hacen referencia a la historia del azul dentro del contexto del edificio y su ubicación geográfica. A principios del siglo XX, Nevlunghavn era un próspero puerto pesquero y la fábrica de camarones, donde se encuentra la galería, un centro de actividad con sus productos enviados a todo el mundo. Como dice la tradición, los hombres se hacían a la mar para pescar, mientras que las mujeres metían los camarones dentro del edificio. Las máquinas que permanecen en el espacio hoy son un recordatorio de esta historia.

Me interesa el contraste entre la arena tradicionalmente masculina del mar y los peligros que representaba junto con los espacios interiores del edificio donde las mujeres se reunían para trabajar y compartir historias.

Vistas unas junto a otras, las obras establecen un diálogo visual que habla de estas diferentes líneas de producción, de vidas vividas por y con el mar.

 

 

En el primer espacio de la galería, por ejemplo, encontramos dos obras a gran escala que cuelgan una al lado de la otra: A Great White God y Unwaning Woe. Los títulos de ambas pinturas están tomados de la novela Moby Dick de Herman Melville, en la que los personajes se disponen a cazar y matar a una ballena monstruosa. En A Great White God, una forma de color nude aparece ondulando contra dos formas espejadas translúcidas superpuestas y un fondo azul profundo que recuerda la forma de una criatura vista debajo de la superficie del agua. Mientras que en Unwaning Woe, las formas orgánicas de color beige recuerdan el contorno curvo de los camarones o los corales. Podríamos leer las obras, simplemente, como una especie de causa y efecto: los peligros del mar y el ‘malestar constante’ que sufren los que están en casa, pero como a lo largo de la exposición, el contraste que establece Tantra rara vez es tan claro. Hay, por ejemplo, una suavidad compartida en las pinturas que crea una poderosa sensación de sinergia, que se enfatiza aún más por la presencia luminosa del pan de oro, como una pequeña franja rectangular en el primero y una marca curva más grande en el segundo. El pan de oro aparece en otras partes de la exposición, lo que agrega sensualidad a las obras y al mismo tiempo hace referencia a la historia del coleccionismo y los recuerdos.

 

El concepto de viajar y traer objetos como recuerdos es tradicionalmente una práctica bastante occidental. Era una forma de mostrar estatus y conocimiento. El oro lleva esa historia y esa fisicalidad.

 

Esto se explora más a fondo a través de los objetos encontrados, como huesos de orejas de ballena y cristales azules, que se encuentran repartidos por el espacio de la galería. Son objetos orgánicos que tienen una fuerte conexión con el lugar y la memoria, al mismo tiempo que tienen una relación con el lado más siniestro de la acumulación de material que a veces se produce a expensas de nuestros entornos naturales.

 

Mientras tanto, la pieza de sonido se reproduce en un bucle de diez minutos, creando una repentina y poderosa sensación de vitalidad que transporta a los espectadores a un paisaje acuático y a una época en la que el edificio estaba lleno del sonido de la maquinaria y las voces. Es un recordatorio tanto de la vida anterior de la fábrica como de nuestra estrecha relación y confianza en la naturaleza que trasciende el tiempo y las fronteras geográficas. El mural de Tantra fuera de la galería también hace referencia a esta relación. Abarcando todo el ancho y alto de un extremo del edificio, los diversos azules de la pintura parecen, a veces, mezclarse con el cielo, mientras que una forma blanca orgánica gigante, una vez más que recuerda a una forma orgánica, parece crecer. desde el fondo aparentemente disolviendo la división entre tierra y agua. Al igual que con todas las obras de arte públicas de Tantra, la pintura cambia a lo largo del día, ofreciendo una perspectiva o estado de ánimo ligeramente diferente. El orbe de pan de oro flotante en la esquina superior derecha, por ejemplo, refleja una luz cálida y dorada durante el día y se transforma en una presencia más fantasmagórica y brillante durante la noche. De esta manera, se nos invita a considerar cómo el paso del tiempo y nuestro posicionamiento cultural y físico afecta nuestra percepción no solo del espacio, sino también de la historia.