Temple Run, La Carrera del Templo es parte de un nuevo cuerpo de trabajo deslumbrante de Forrest Kirk, artista afincado en Los Ángeles, cuya práctica pictórica incorpora una amplia gama de medios para crear audaces superficies escultóricas. Durante la última década, Forrest ha desarrollado un lenguaje visual único que emerge a través de un proceso en capas que abarca la investigación, la experimentación con materiales y una comprensión intrínseca del color, la textura y la forma.

 

 

Para Forrest, el proceso artístico generalmente comienza con la investigación de la ubicación geográfica donde se exhibirá la obra. Para este trabajo, se sintió particularmente atraído por la historia del comercio en Londres, una vez conocida como el centro del mundo, y cómo este pasado glorificado está enredado no solo con la guerra, sino también con el robo de bienes culturales de África y otros lugares antiguos. civilizaciones En los últimos años, el Museo Británico en particular ha enfrentado críticas por exhibir artefactos robados. El título de la exposición, que lleva el nombre del videojuego Temple Run –que comienza con el personaje agarrando un objeto de un templo y siendo perseguido por las criaturas de la jungla– no solo hace referencia a esta historia, sino también, más crucialmente, a nuestra aceptación cultural de ella. De manera similar, el paisaje desértico llano que sirve de telón de fondo a cada pintura evoca la estética del juego gráfico al mismo tiempo que llama nuestra atención sobre la forma en que históricamente hemos normalizado, o incluso banalizado, el saqueo de la cultura.

 

 

Esto también se refleja en el proceso de pintura en sí, que comienza cuando el artista imprima el lienzo con yeso negro.

Para mí, se trata de comenzar con infinitas posibilidades. Todo parte de la oscuridad. A partir del negro, se puede crear cualquier color.

Luego coloca el lienzo en el suelo y hace marcas de barrido instintivas que tienen un propósito casi ritual en el sentido de que preparan al artista para la creación de la obra. Para esta serie en particular, decidió llevar este proceso un paso más allá pintando sobre cada lienzo con franjas horizontales de rojo, negro y verde, los colores de la bandera panafricana que fue diseñada para representar la diáspora africana y simbolizar la libertad. Esto no solo le da al trabajo una resonancia profundamente personal, sino que también proporciona una paleta de colores base y una sensación de profundidad. Luego, el artista aplicó más capas de pintura, mezclando los colores con pegamento de gorila en la técnica alla prima (húmedo sobre húmedo) para crear marcas tartamudeantes y arremolinadas y áreas gruesas de empaste. Forrest compara este período de la pintura con el juego en el sentido de que es a la vez instintivo y muy físico. Utiliza almohadillas de brillo, papel de lija y un cuchillo para raspar, empujar y tirar de la superficie, para revelar y oscurecer simultáneamente las capas subyacentes.

 

 

Solo una vez que coloca el lienzo en posición vertical contra una pared, comienza a pensar en la intención del trabajo y comienza a tallar una forma agregando el fondo y restando lo que ya está allí. En cierto modo, el proceso de aplanar la complejidad del color y la creación de marcas con el fondo de color en bloque refleja la simplificación de las narraciones históricas, mientras que las figuras y formas al frente tienen una presencia sorprendentemente dinámica. Mientras que algunos evocan el contorno de guerreros que aparentemente agarran objetos con forma de lanza, otros siguen siendo más abstractos.

Para mí, este espectáculo tiene que ver con la textura, la imagen es secundaria.

De hecho, a veces, la imagen que inicialmente vislumbramos resulta ser ilusoria. En muchas de las pinturas, por ejemplo, parece haber una sola nube blanca flotando en el cielo gris pizarra, pero un examen más detenido revela que se trata del contorno de una nave espacial extraterrestre. Esto no solo agrega una sensación de diversión a la composición, sino que también llama la atención sobre cómo nuestra percepción a veces se ve sesgada por las expectativas. En otras palabras, vemos lo que queremos ver, o más a menudo, lo que nos han enseñado.

 

 

Si bien algunas de las obras presentan imágenes más concretas y reconocibles del léxico de Forrest, como la bomba en Timing, nos encontramos, como espectadores, obligados hacia la superficie donde cualquier sombra de una forma o figura da paso a los gestos físicos de la marca. haciendo, el rico remolino de colores, el brillo metálico del oro. En este sentido, el artista nos invita a abrazar una experiencia visual más liberada, liberada de las limitaciones o expectativas de la representación, en la que podemos contemplar más profundamente la forma en que consumimos y entendemos las historias culturales y visuales.