Alive In Actual Time, Vivo en Tiempo Real, es la exposición pictórica de Lulu Bennett en Londres – Wandsworth que puede visitarse hasta el cuatro de febrero. Habiendo crecido en Lancaster, busca corregir la falta de representación artística norteña en un mundo artístico centrado en Londres y sitúa su trabajo como parte de un renacimiento contemporáneo del gótico norteño.

 

 

Dos mujeres en bikinis blancos emergen del reluciente rocío de las olas. Con sus perfectas sonrisas de color blanco perla y su piel suave y bronceada, casi podría ser un anuncio para una campaña de trajes de baño y, sin embargo, la imagen está dividida por una amplia franja de ondulantes púrpura, amarillo y azul. Este vívido canal de pintura arremolinada evoca tanto el mar por la noche como un espacio liminal o pasaje, que lleva más allá de la superficie a un reino místico más profundo. Alive in Actual Time, la cuarta exposición individual de Lulu Bennett con la galería Kristin Hjellegjerde anuncia una nueva y emocionante dirección en su práctica artística. En comparación con los trabajos anteriores de Bennett que exploraban historias de poder a través de imágenes audaces y empalmadas representadas en tonos ácidos abrasadores, estas últimas pinturas son más sueltas y de estilo más gestual. Aquí, las referencias al pasado, a través de la configuración de interiores y la ropa, no son tanto críticas como lúdicas, y ofrecen a la artista una forma de explorar su experiencia presente a través de varias subjetividades femeninas.

 

 

La exposición toma su título de una cita de la novela I Want What I Want de Geoff Brown de 1966, donde cuenta la historia de una mujer trans en la Inglaterra de principios de los años 60 mientras intenta sobrevivir a la transición sin el apoyo de familiares o amigos.

El autor era un solitario hombre de Yorkshire que solo escribió otra novela y nunca concedió ninguna entrevista. Cómo pudo capturar de manera tan precisa y visceral la experiencia trans sigue siendo un misterio, Pero la novela resuena con muchos de los temas que estoy explorando en esta exposición: la experiencia inglesa provincial, la feminidad trans, el aislamiento y la alegría.

Bennett se declaró públicamente mujer trans a principios de este año y señala que sus propias experiencias requería un enfoque diferente de la pintura que ha implicado

un proceso de purificación y eliminación del contenido y el ruido para encontrar una forma de expresión más directa.

 

Otras obras de la exposición evocan escenas de la infancia. En My London Girlhood, dos niñas con vestidos a cuadros a juego se paran al borde de un lago, mirando la superficie ondulada, tal vez observando dónde cayó una piedra o buscando peces. Es un idílico día de verano: el lago es tranquilo y cristalino con un monumento dorado que arroja agua a lo lejos y el sol brilla sobre las espaldas de las chicas y, sin embargo, hay algo distante o incluso inquietante en la escena. No podemos ver las caras de las niñas y, aunque la imagen inicialmente parece vívida hasta el punto de ser casi fotorrealista, una inspección más cercana revela pinceladas ásperas que se vuelven más abstractas hacia la parte posterior de la pintura, donde los árboles se convierten en sombras fluidas de color verde oscuro. De esta manera, Bennett crea un deslizamiento entre la memoria y el sueño que juega con la idea de reescribir narraciones pasadas al mismo tiempo que reconoce la imposibilidad de alterar los hechos reales. La pintura Gossip Girls establece una tensión similar. Aquí, se nos presenta una instantánea de dos chicas charlando en un autobús. Uno gira en su asiento para que podamos ver su rostro completo, iluminado por una luz dorada cinematográfica, pero una vez más nos mantienen a distancia: vislumbramos la escena a través del panel de vidrio mientras el interior del autobús parece casi vacilante, compuesto por amplias pinceladas azules.

 

 

Si bien la mayoría de las obras parecen encarnar la ligereza del toque del artista, creando una poderosa y auténtica sensación de armonía entre la imagen y su creación, Anunciation es más claustrofóbica tanto en estilo como en tema. La pintura representa a una niña sentada frente a sus padres en una sala de estar. Al igual que las otras pinturas de la exposición, la escena está llena de luz brillante, pero la dinámica entre las figuras es inquietante. Esto se debe en parte a la perspectiva: el espectador se coloca detrás de los padres de modo que la parte posterior de sus cabezas llene gran parte del espacio y estamos mirando por encima de sus hombros. Un televisor anticuado forma otro punto focal en el fondo mientras la niña sonríe a su madre y abraza un gato contra su pecho. Aquí, como en otras partes de la exposición, Bennett explora la relación entre ser mirado como objeto y ser visto como sujeto. La niña puede estar bajo el escrutinio de múltiples ojos, pero también es la única figura activa en la pintura. En este sentido, el título de la obra adquiere un doble sentido que remite tanto al relato bíblico en el que se le dice a María que se convertirá en la madre de Dios como a la idea de encontrar una voz o tomar el control de la propia narrativa. Si bien la historia de Mary le fue presentada, el anonimato de las figuras adultas posiciona firmemente a la niña como protagonista.

 

 

Hay un conflicto entre la experiencia de salir del armario siendo increíblemente liberador pero también tenso dentro del contexto de una cultura contemporánea que es única y violentamente hostil hacia las personas trans. Al hacer muchas de estas pinturas, me sentí como si me deslizara sobre hielo

 Si bien las figuras etéreas y las pinceladas acuosas pueden insinuar este sentimiento de riesgo o vulnerabilidad, se presenta como algo esencial para el proceso de transformación. Estas son obras que celebran el juego y la imaginación, pero también el acto físico de pintar como una forma de cultivar una conexión más profunda con uno mismo.