¿Cuándo volveré a verte? When will i see you again? es la exposición del fotógrafo y diseñador gráfico neoyorquino Kyle Meyer en la galería Kristin Hjellegjerde de Londres, que podrá visitarse hasta medidos de agosto.
Anxiety, 2020 Impresión de pigmento de archivo tejido a mano, 73.3 x 61.3 cm
Tres formas desnudas emergen detrás de una erupción de colores como si salieran a tomar aire. Este autorretrato textural a gran escala articula los sentimientos de aislamiento, claustrofobia y ansiedad que recorren el último trabajo de Kyle Meyer. Las obras de arte, creadas en gran medida durante el confinamiento y en respuesta a las crisis mundiales, expresan las experiencias psicológicas personales del artista de la soledad forzada, al tiempo que hablan de las condiciones humanas compartidas de opresión, pérdida e incertidumbre, interrogándose sobre qué es la normalidad y el significado de la humanidad en el mundo actual.
Kyle Meyer inició su carrera artística con la fotografía y diseño gráfico antes de aprender el arte de tejer en Swazilandia durante una beca. Este bagaje le permite combina ambos medios artísticos para crear obras de arte altamente texturadas, en capas y a menudo surrealistas que cuestionan la potencia de la fotografía digital al desafiar las percepciones de la realidad del espectador.
Para Kyle Meyer, el proceso generalmente comienza con la configuración y captura de una o varias imágenes, que luego se imprimen, se vuelven a montar o se superponen y se tejen a mano con tiras de tela teñida. A través del acto físico de tejido, la imagen impresa se rompe y se distorsiona, creando un efecto surrealista que recuerda la pixelación digital. El objetivo para Kyle Meyer, sin embargo, es volver a conectar el cuerpo físico para hacer y ver una imagen; El esfuerzo de las manos del artista es visible en las texturas de cada pieza.
Hay cambios sutiles en el tejido y el color en estas obras, que juegan con la percepción
Estoy llamando la atención sobre algo que nunca se habría visto antes
The Pit Deep Down Inside, 2020 Impresión de pigmento de archivo tejido a mano, 123 x 184 cm
Este impulso disruptivo, así como un compromiso físico profundo con los materiales artísticos y el proceso creativo, son esenciales para la práctica de Kyle Meyer. Para The Pit Deep Down Inside, El Hoyo en el Fondo el artista cavó un agujero de 2.5 metros para quemar varios objetos. Abriendo el ángulo de visión, el espectador divisa esta pira brillante frente a una tranquila escena pastoral, que representa la supresión de la emoción y el conflicto.
Last Breath, 2020 Impresión de pigmento de archivo tejido a mano, 149 x 125 cm
En Last Breath El Último Suspiro muestra una casa en ruinas que Kyle Meyer prendió fuego antes de su demolición. Una vez más, la imagen resalta un sorprendente contraste entre la quietud del entorno doméstico y la energía explosiva del fuego cuando un humo de aspecto tóxico brota del costado del edificio, envolviendo una esquina de la obra de arte y parece trascender más allá de sus propias dimensiones. Las imágenes y el título de esta pieza resuenan poderosamente con las protestas de Black Lives Matter actualmente en erupción en todo el mundo, mientras que las dicotomías visualizadas (quietud – violencia; silencio – sonido; privado – público) cuestionan las estructuras personales y colectivas de nuestras vidas.
Del mismo modo, A Juncture in Existence – Una Coyuntura en la Existencia perturba las percepciones convencionales al romper una escena idílica con un espacio físico entre las dos mitades de la imagen. La obra de arte también se colgó boca abajo intencionalmente para interrumpir aún más los supuestos de nuestra mirada. Una vez más, Kyle Meyer cuestiona nuestra aceptación inherente de la normalidad mientras demuestra el potencial de romper con la convención. En particular, Absence of Touch – Ausencia de Tacto es el único trabajo en esta serie sin un elemento escultórico. La imagen se hizo colocando una huella en el exterior para teñirla con nieve, mientras que los inquietantes espacios blancos fueron creados por guantes colocados sobre la superficie del papel, reflejando las restricciones sociales actuales.
Si bien este último cuerpo de trabajo trata con emociones difíciles y temas desafiantes, hay una fuerte corriente de esperanza. Así como la obra de arte articula las propias experiencias de catarsis emocional del artista, se invita al espectador a reflexionar sobre las formas colectivas y personales de opresión que están incrustadas en el tejido de nuestras realidades. La obra de arte escultórica titulada Bed Sheet – Sábana, por ejemplo, sirve como un remanente de tiempo pero también como un símbolo de progresión; la hoja se usó como accesorio en varias de las fotografías de Kyle Meyer y ahora se ha convertido en una obra de arte por derecho propio. Este proceso de renovación es esencial para comprender la práctica del artista y, más ampliamente, el poder del arte; Es a través de la transformación creativa de materiales físicos, ideologías y experiencias psicológicas que podemos ver el mundo de nuevo, encender la acción y provocar el cambio.
