Otro año que termina, muchísima música y de calidad, gracias a las Musas. Llega el momento de mirar atrás y reflexionar qué nos ha emocionado siempre atendiendo únicamente al criterio de excelencia y belleza. Antonio Jesús Reyes, Juan Antonio Gámez y Marcelo Chaparro Santana presentan esta propuesta que abraca desde diosas precolombinas, pianistas, guerreras post-Macondo, madres cañeras hip-hop, divazas disco dance, guitarras salvajes y mucho más para que disfrutes.
Alison Goldfrapp, The Love Reinvention, BMG Records.
Never stop loving / No dejéis nunca de amar.
Buen rollo, musicón, petardeo non-stop, energía a tope. Espíritu hedonista con deliciosas dosis de house, synth pop y disco. Allison Elizabeth Margaret Goldfrapp bebe de un fascinante rango de artistas y géneros musicales (Kate Bush, T. Rex, Donna Summer, Iggy Pop, Serge Gainsbourg), la música disco polaca y el cabaret de la República de Weimar, Callejón Sin Salida (Roman Polanski), The Wicker Man (Robin Hardy, 1973), la saga James Bond, surrealismo y la naturaleza. Esta divaza cree que la música es una experiencia visual, por tanto, visualiza sus letras antes de escribirlas. Su obra se caracteriza por el uso de maravillosa antropomorfia pop para describir estados y emociones humanas. Y todos estos elementos vibran como un terremoto en la reedición de su álbum debut en solitario: es imposible no bailar con este súper disco.
Este megaproyecto es una revisión teatral de su álbum en solitario, The Love Invention, sus once pistas fueron remezcladas por Richard X y James Greenwood. Dos discos, dos horas y media de fuerza. Atención a temazos como “Love Invention”, “So Hard So Hot” y “Never Stop Loving” sumados a “Impossible”, el ultrafunky “Gatto Gelato” y la festiva “Fever”. La británica derrocha actitud jovial y positiva, canta con su clásica voz angelical, baila y defiende bien un repertorio que refleja todo lo que lleva construyendo desde hace más de veinte años.
Amyl and The Sniffers, Cartoon Darkness, Rough Trade
Tercer álbum de la banda de Melbourne que finalmente logra una producción de calidad, permitiendo que Amy Taylor, conocida como Amyl, se despliegue en un torbellino hipnótico que fusiona el furioso salvajismo de Yolandi Visser con la actitud roquera de los Beastie Boys. Cartoon Darkness es un disco en el que Amy expresa sus frustraciones y la presión social sin filtros, buscando la catarsis del oyente a través de potentes temas punk rock como «Jerkin‘» o «Pigs«, junto a baladas cautivadoras como «Big Dreams«, en las que la voz melodiosa de Amy navega por territorios de rock alternativo.
En una sociedad que atraviesa una ola conservadora, celebramos propuestas que defienden el derecho a pensar, sentir y vestirse libremente, a pesar de ser blanco de críticas y ataques en redes sociales. Será interesante ver si el futuro nos trae más oscuridad o si, por el contrario, surge una luz de esperanza.
La vida es corta, la vida es divertida, soy joven y estoy enamorada.
La vida es corta, la vida es divertida, soy joven y muy tonto.
Estando pegado a ti como un chicle
Ana Tijoux, Vida, Altafonte Records.
“Cultura urbana, hip hop y quilates de amor en el corazón”
Ana Tijoux es una cantante, letrista y compositora franco-chilena. Una de las más respetadas rappers en idioma español, descrita por el New York Times como “La respuesta latinoamericana a Lauryn Hill”, que no es poco. En sus letras denuncia los males sociales y se posiciona en contra de la violencia, a favor de la energía primigenia. Y de ello canta en su último álbum, Vida, donde brilla como el oro y trae invitados de lujo como Omar, Talib Kweli, Estela de Carloto, Ile, Plug y Pablo Chill-E.
La comunidad hip hop ha sido mi casa, mi formación musical, mi magister, mi doctorado, la que me enseñó a articular palabra + pensamiento + sentimiento. El rap, una herramienta de libertad que me ha permitido entender mis procesos y emociones, poder enhebrarlas, tejerlas entre sí. Mi conexión con el mundo, con Francia, con Chile.
El ADN de Vida es “la vida, una venganza ante la muerte, es responder a la pregunta de cómo ser feliz, es darle la vuelta a la vida”. Una de las joyas de un álbum repleto de oro, “Niñx” es una oda a les niñes, al respeto, al lenguaje inclusivo, a la comunidad LGTBIQ+. Ritmo pegajoso, letra valiente y tierna. “Niñx” nació cuando, “al ver el telediario, sentí todo tan destrozado, terrible. Se la escribí a mi hija para que no pierda la esperanza (y de manera indirecta, también me la escribí a mí misma). La llamé “Niñx” porque el lenguaje inclusivo amplifica el concepto y lo lleva a toda una comunidad que ha sufrido tanta violencia histórica, sistemática, institucional, familiar incluso. Esta canción desea irradiar un poquito de luz y esperanza. ¡Y es para bailar! Yo necesitaba mover la energía, no caer en esta desolación en la que nos quieren meter a todas.”
Aterciopelados, El Dorado (En Vivo), Entre Casa Colombia SAS
Mira: ¡que aquí lo tengo!
Los Aterciopelados celebran casi 30 años de la publicación de El Dorado, álbum seminal de la historia rock del otro lado del charco, un disco que marcó a toda una generación, creó escuela gracias a su audaz mezcla (rock + algunos de los 157 ritmos musicales que vibran en Colombia) y empoderó a la mujer rockera en una sociedad machista. Para conmemorarlo, un día cualquiera esta banda grabó uno de sus conciertos en el Estadio El Campín (Bogotá) y lanzó este directo como álbum en plataformas streaming. Y ganaron el Latin Grammy al Mejor Álbum Rock del Año.
Así de buenos son los Aterciopelados. Así de legendarios. He aquí una impresionante Máster Class de rock mestizo (o Rock Alternativo, que se decía en los 90). Filosofía, legado indígena y ADN aterciopelado: metáforas de la inter-musicalidad de todo un país. “Florecita Rockera” tiene un puente con aroma de reggae; “Candela”, uno con tambores afrocaribes; “Colombia Conexión”, cumbia; “Bolero Falaz” es bolero; “La estaca”, guascarrilera; “Las cosas de la vida” es vals y “Siervo sin tierra”, guabina. ¿Cómo construir arquitectura rock y aderezarla con géneros del folclore sin morir en el intento? Andrea Echeverri (líder, guitarra y voz) contó en exclusiva para Achtung: «La cosa empezó muy orgánicamente, sin planearlo. Como ni Héctor ni yo somos músicos de academia sino “del caracol” (de oído) usábamos los ingredientes que teníamos a mano. Héctor Buitrago (líder, guitarra, producción) añadió: “El rock mestizo es coger lo que está a tu alrededor, lo que escuchaste en tu infancia, lo que cantaba tu mamá. Después ya (esta dinámica) se amplió gracias a la curiosidad y la audacia. El espíritu que nos movía era sonar auténticos, por eso nos atrevimos a probar muchos ritmos, espontáneamente. El rock mestizo permitió romper fronteras, la libertad de experimentar y salirse del purismo rock».
Biznaga, ¡Ahora!, Montgrí
La sociedad se desmorona
Libertad, qué buen eslogan
Prepárate para que Biznaga te golpee de lleno y, por fin, te haga despertar. En su álbum ¡Ahora!, la banda ofrece una lección de rabia y reflexión, dejando claro su mensaje sin piedad: un repaso implacable al caos que hemos permitido que los políticos configuren, creando una sociedad que ataca a sus propios habitantes.
La banda de punk muestra una radiografía completa de nuestra sociedad a través de un sonido contundente y desafiante, abordan temas como la especulación inmobiliaria, los desahucios, la gentrificación, la corrupción política, la crisis de salud mental, los cryptobros, los trabajos precarios, los sedantes, los ansiolíticos, la ira y el pánico. Un espejo cruel de la realidad.
Y tú, ¿Qué vas a hacer?
Esto es una canción de amor
Y una declaración de guerra
Una canción de amor y acción
Canción de acción directaTantos deseos, tantas promesas
De un tiempo nuevo que nunca llega
Vamos afuera a hacer que suceda
Si hay que morir es de vivir
Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Bolsa Amarilla y Piedra Potente, Universal
Derby Motoreta’s Burrito Kachimba alcanzan la velocidad de crucero con su tercer álbum, Bolsa Amarilla y Piedra Potente, en el que fusionan rock, psicodelia y música de raíz andaluza para dar vida a la mejor kinkidelia.
DMBK son músicos excepcionales con un bagaje impresionante, y en esta nueva etapa siguen evolucionando su sonido. Entra en el universo DMBK de Bolsa Amarilla y Piedra Potente, donde incorporan más electrónica, con toques futuristas y sintéticos en temas como «Manguara«, además de rendir homenaje al feriante Sr. Makensy en «Seis Pistones«. Por supuesto, no falta el toque socarrón que caracteriza a la banda, presente en «Daddy Papi«.
Miré a través del cristal
Y al otro lado la flor
Oscura de tus recuerdos
Llevo en el cuello una aguja de alacrán
Ante la luna el veneno se abrirá
Dolores Forever, It’s Nothing, Sweat Entertainment
Tras unos amagos entre EPs y singles, llegó el momento de la verdad, del larga duración. Ellas son Julia Fabrin (de Copenhague) y Hannah Wilson (de Yorkshire). Su conexión surgió de su admiración por artistas que oscilan entre la melancolía indie, la intensidad emocional y el pop más descaradamente comercial. De ahí que el álbum logre que lo cotidiano adquiera un aire más significativo. Su sonido tiene una frescura sin pretensiones pero con todos sus logros; estribillos irresistibles sin ser cargantes y una producción variada y brillante que adorna a la perfección sus voces. En algunos momentos, It’s Nothing parece una mirada a los ochenta, aunque se acerca más a una vuelta al pop de siempre, pero renovado, lúcido y personal. El álbum no aburre en ningún momento, y si le quieres buscar una falta, es la ausencia de «Lover«, single que sacaron este verano. Podrías empezar por «Stop Making it Worse» o «Concrete«… Te hará querer escucharlo una y otra vez.
Enkelé, Pa’ la cima, EcoMusic.
“La increíble historia de siete niñas y una estrella de río”.
Pa’ la cima es un álbum imprescindible para entender lo que pasó en 2024 en eso que la industria llama World Music. La historia de cómo siete niñas bebieron de sus ancestras y, ya mujeres, se ganaron el derecho de tocar instrumentos hasta ahora prohibidos para ellas. La producción (a cargo de Iván Benavides y Yeison Gómez) es impecable, las interpretaciones son magistrales, las letras, arriesgadas y francas. Creadoras de una sinergia potente, femenina y feminista, su intención es “llegar a más escenarios con nuestra música de tradición oral, nuestros bailes cantaos. Pa’ la cima abre con la declaración de intenciones de estas guerreras disfrazadas de artistas (y su legado familiar); continúa con esos amores que nunca pudieron ser; con una promesa al recién nacido; con un repique de cueros para llamar el agua; con una oda a la tierra bonita donde fueron paridas; con la confesión de una mujer que no sabe amar a medias cuando ve los ojos que la embrujan o se pone un tambor entre los muslos; con el canto de una niña criada en la plantación de tambores de su abuela; con un perdón por los errores causados; con un alegre reconocimiento a las cantaoras que abrieron caminos (Estercita Forero, Totó la Momposina). Y cierra guiñando el ojo a una tal Juana, que hace con su piel lo que le da la gana, y va alegre entre matorrales, protegida por sus hermanas. Enkelé (“estrella”, en lengua bantú del Congo africano) es una potente apuesta coral de mujeres diversas que alzan su voz contra la(s) violencia(s) mezclando géneros tradicionales con letras rompedoras. Yira y Yuranis
Miranda, Damar Guerrero, Camila Pedrozo, Mildreth Pasos y Angélica Ruiz y Carolina Delgado son mujeres independientes en la industria de la música. Hacen bailes cantaos de ambos lados del río Magdalena (donde nació la cumbia) a punta de autogestión y el apoyo de su gente. Y maravillaron a Europa en 2024.
Jack White, No Name, Third Man Records
Jack White no necesita demostrar nada: es un músico excepcional de pies a cabeza, y su carrera una de las más impresionantes de las últimas décadas. The White Stripes, The Raconteurs y The Dead Weather son solo algunas de las pruebas que avalan su talento.
Tan seguro estaba de la calidad de su sexto álbum de estudio que decidió sorprender a algunos compradores de Third Man Records: les regaló el LP sin previo aviso, bajo el título No Name. Algunos, creyendo que se trataba de un error en el envío, lo descartaron, mientras los afortunados que lo conservaron se encontraron con una obra maestra de Jack White en su mejor versión y un fetiche de coleccionista. El álbum está lleno de composiciones sobresalientes, con una mezcla de garage rock potente, hard rock musculoso y ese toque inconfundible de lo-fi que ha marcado su estilo a lo largo de los años.
Lucía Rey, Nómadas, Beatclap Music.
“Siempre acabamos llegando a donde nos esperan”
¡Vaya si es precioso este cuaderno de bitácora que lleva por título Nómadas, de la pianista y compositora Lucía Rey! Los casi cincuenta minutos de viaje a través de las melodías elegantes y trotamundo propuestas aquí son una auténtica delicia para los sentidos. Y para el alma. Un álbum de jazz europeo con aroma a sal mediterránea, a vals, a música oriental, a flamenco y Caribe. Maestra de los elementos clásicos del lenguaje jazzístico, la compositora de uno de los mejores álbumes instrumentales de 2024 salpimentó su formación entre conservatorios de Cuba y Brooklyn; curtida en el Real Conservatorio y en la Escuela de Música Creativa de Madrid, compartiendo partituras y aventuras con Antonio Serrano y Sole Giménez. Para esta prístina obra, Rey contó con la colaboración de artistazos del nivel de Michael Olivera (batería y coros), Ander García (contrabajo y coros), Juan Carlos Aracil (flauta), Irene Novoa (coros) y la aparición estelar de Jorge Pardo (flauta). Melodista romántica y diáfana, esta pianista brilla con los aires vals sentimentales de “Daniela”, con el olor orientalizante de un “Siran” mutando ritmos y geografías e incorporando esos “ta-ra-ra-ra” que se vuelven leit motifs a lo largo del álbum. Y que suenan como los amigos de vieja data. La gracia con que Rey se asoma a las sonoridades andaluzas o a los cantes de ida y vuelta en “Colombianas gaditanas” le viene de cuna, más exactamente de su madre, bailaora de flamenco. Y el viaje que nos regala se hace más grande cuando entran, juguetonas, las flautas invitadas de Jorge Pardo (“Nómadas”) y Juan Carlos Aracil, quien también aporta su magia en “Aliquindoi” y “Errante”. Pura ensoñación.
LõBISON, De lo que no se habla no se olvida
LõBISON, el proyecto de Juamba d’Estroso, nos presenta una obra que desafía cualquier categorización, una propuesta sonora intensa, desconcertante y viva, directa y lejos de lo prosaico. Las letras por sí solas ya tienen un valor significativo; rugidos de rebeldía, momentos de vulnerabilidad y encontronazos incesantes con la honestidad cruda. El álbum fluye entre los contrastes del crooner y el punk, ofreciendo un sonido que nunca deja de sorprender. LõBISON acecha, dispuesto a entregarnos su brutalidad honesta en forma de post-punk, noise, chanson o incluso, con un toque de flamenco sutilmente integrado, sin que nunca llegue a sonar a eso de siempre.
De entre la intensidad del disco, sobresalen canciones como «Antagonistas» y la existencial «No Me Quiero Morir«. Este trabajo no es solo una colección de canciones, sino Sin concesiones, sin piedad ni adornos, De lo que no se habla no se olvida es un disco que nos invita a reflexionar sintiendo de manera inexorable. Guitarras embaucadoras, ritmos crudos y letras sin filtros. Un camino lleno de peligros que esconden un tesoro al final.
Sananda Maitreya, The Pegasus Project: Pegasus & The Swan, TreeHouse
Sananda Maitreya, antes conocido como Terence Trent D’Arby, cierra su trilogía mitológica con Pegasus & The Swan, un trabajo ambicioso, libre y desinhibido de cuarenta y una canciones que no se anda con chuminadas. Su nuevo lanzamiento está dividido en dos. El primero lleva por título Pegasus. En él, Sananda desata el soul-pop-rock (algo psicodélico a veces) al que nos tiene, más o menos, acostumbrados. En The Swan destacan temas con orquestas (de las de verdad, y eso se nota maravillosamente) que bucean en lo sublime, con las sorprendentes intervenciones solistas de Beatrice Baldaccini y Luisa Corna. Se trata de un abanico de canciones conmovedor, apasionado y hasta divertido, salpicado de personajes y aderezado con interludios, completando un todo que se mantiene cohesionado gracias a la voz aún intacta de Sananda. Estamos posiblemente ante lo mejor de su carrera, y si esto no se sabe, es porque hace mucho que el artista dejó el estrellato por el fulgor de las estrellas, alejándose casi completamente del público. Ahora hay que ir a buscarle. Olvida ya a Terence, y déjate llevar por «Paradise Postponed Sonata«, «New World Forming» o «Love is Blind«.
Tymon Dogg & the Dacoits, The Granada Sessions, Tiny Global
La sombra de Joe Strummer sigue siendo alargada en Granada, ciudad donde el legendario líder de The Clash contribuyó a que floreciera, en los años 80, una cultura vibrante y un impulso creativo único. En este proceso, figuras fundamentales como Jesús Arias fueron compañeros de viaje en la construcción de este legado.
Años después, la magia se reaviva cuando Tymon Dogg y Richard Dudanski (exintegrantes de The 101’ers, The Clash y Mescaleros) se reencuentran en Granada con Antonio Arias, Juan Codorniu y JJ Machuca (de Lagartija Nick) para dar forma a The Granada Sessions, un proyecto que captura la esencia de esa creatividad desbordante.
Para coronar el proyecto, se suman dos invitados de lujo: el granaino de adopción Youth, bajista y productor de Killing Joke, y Dr. Robert de The Blow Monkeys, quienes aportan su talento para dar aún más profundidad a la propuesta.
Nos encanta poder confirmar que Tymon Dogg & the Dacoits vuelven a hacer historia del rock, con la influencia y el espíritu de Joe Strummer y Jesús Arias guiando este nuevo capítulo musical.
Un Pingüino En Mi Ascensor, Secuelas
¡La sinvergonzonería, la originalidad y el buen hacer al poder! Un Pingüino En Mi Ascensor es uno de los nombres más emblemáticos del pop español, y aunque tú no lo sepas, sacan discazos como Hace Sol y Es Viernes (2022) y sus conciertos siguen siendo espectáculos de sold out. Secuelas es su última propuesta; en lugar de hacer un revival del pasado (que ya lo hicieron con Espantapalomas), ahora lo continúan. Se trata de imaginativas, divertidas y originales segundas partes de temas icónicos del pop español. Por ejemplo… ¿Ocurrió aquel «Ataque Preventivo de la URSS?, ¿Qué fue del tal «Billy Joe»?, ¿Cuál fue el desenlace de lo acaecido en «Horror en el Hipermercado»?… La idea no es sólo continuar las historias de esos personajes, que son ya parte del imaginario colectivo del pop español, también hay arreglos y guiños a las melodías originales, pero todo se envuelve en una novedad que no deja espacio al aburrimiento. De este modo recrean y mezclan los estilos musicales de las bandas originales con el suyo propio. ¡Dele usted un tiento!
Wim Mertens, Ranges of Robustness, Usura
Wim Mertens reafirma su posición como uno de los grandes referentes del minimalismo contemporáneo. El compositor nos lleva a su personal enfoque preciso, elegante y calculado, sin ser frío. Cada nota, cada pausa y cada instrumento están seleccionados con un propósito específico, el de crear un impacto emocional de manera sutil y efectiva. En esta ocasión, Mertens opta por expandir su sonido arropado por una orquesta de veintiún músicos, incluyendo, y no es la primera vez, guitarra eléctrica. Destacamos la conmovedora «Marina’s Music«, dedicada a la poeta rusa Marina Tsvietáieva, quien sufrió la represión del régimen totalitario soviético. Con este álbum, el compositor demuestra que busca y halla una expresión profunda, conmovedora y delicada que también puede ser ensordecedoramente potente. «Modally Robust» o «Drenched in Zink» son pruebas de que sigue siendo el más destacado alumno de su propia obra, sin ceder a la vacuidad.
